ARTE A ST LOUIS: VAUGHN DAVIS JR

Vaughn davanti a due delle sue opere a Dragon, Crab and Turtle. Marzo 2021.

ELIZABETH BERNHARDT, PHD

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Nato a St. Louis nel 1995, Vaughn Davis Jr. è cresciuto con l'arte nella sua famiglia: sua nonna crea oggetti e decora la sua casa in modo eclettico e suo padre è sempre stato bravo a disegnare. Vaughn ha continuato a seguire questi stessi percorsi familiari e poi si è laureato in arte: ha ricevuto il suo BFA in scultura (con lode) presso la Webster University.

​Vaughn inizia il suo lavoro come la maggior parte dei pittori. Mescola colori e pittura su tela e spesso usa tinte tradizionali che sarebbero piaciute agli antichi maestri: rossi, blu, gialli, verdi, ecc. Ma a differenza di molti dei vecchi maestri, Vaughn ama dipingere le tele quando sono bagnate in modo che i pigmenti stingono e si espandano l'uno nell'altro. Gli piace anche dipingere entrambi i lati delle sue tele. Continuando a lavorare contro la secolare tradizione europea fissata nelle regole e nei regolamenti delle corporazioni, Vaughn continua il suo processo di decostruzione in numerose mode. Usa tele prive di cornici, quindi il suo lavoro non fa riferimento a quadrati fissi "intrappolati" in cornici (come la maggior parte delle opere su tele). Affligge la sua tela dipinta e sciolta con l'aiuto di coltelli, forbici, lame e le sue stesse mani. Taglia, strappa, imbratta e deforma le sue tele senza mai rimuovere alcun elemento del tessuto; quindi se le sue tele fossero di nuovo appiattite, sarebbero intatte e intere. Spiega che la sua arte è una reazione al passato, una reazione ai classici; è un'arte di protesta.

Vaughn trasforma queste tele dipinte e strappate in sculture 3D che sfidano la compostezza. Spiega che strappa per “aprire” la tela, per liberare la sua planarità. Sembrano davvero libere.  Spiega che il processo di decostruzione delle tele significa una ricerca ed una apertura del sé stesso. In questo modo, l'ho visto strappare alcuni dei suoi lavori che erano già stati appesi sui muri della galleria; ha detto che anche il suono dello strappo della tela è terapeutico. I prodotti finali sembrano essere dipinti e sculture allo stesso tempo. Inoltre le sue opere sono in movimento nel senso che sono in grado di evolversi. Ogni volta che vengono spostati, i pezzi assumono nuove forme e curve. a seconda di come vengono appesi.  Poiché diventano così diversi ogni volta che vengono mostrati, Vaughn ha persino dato loro titoli diversi quando si trasformano in luoghi diversi. Lui lo chiama un lavoro “freestyle.”

Vista generale della mostra di Vaughn, Chroma, a Dragon, Crab e Turtle. Marzo 2021.

​È affascinante pensare che la tela sia stata utilizzata dagli artisti da circa 500 anni. La tela fu resa popolare dai pittori veneziani nel Cinquecento (come Paolo Veronese,1528-1588) nel suo controverso ed enorme dipinto, Cena in casa di Levi), e il suo uso si diffuse poi da Venezia in tutta Europa e nel mondo dell'arte. A Venezia, la tela, realizzata con fili intrecciati della forte e resistente pianta di canapa coltivata sulla terraferma era tessuta localmente e fu prontamente disponibile per i marinai per le vele delle loro navi.  Fu successivamente adottata da pittori pratici per grandi composizioni. La tela pesa molto meno del pannello in legno, non si deforma come il legno per l’umidità locale, è più facile da spostare rispetto al pannello poiché è arrotolabile, costa meno del pannello e non cade dai muri come fanno gli intonaci bagnati o gli affreschi nelle case costruite letteralmente nell'acqua intorno ad una laguna. È affascinante vedere Vaughn, un artista del 21 ° secolo in posto come St. Louis, riprendere questo stesso materiale storico nel suo lavoro.

Paolo Veronese, L'Ultima Cena trasformata in Cena in Casa Levi (1573) commissionata per il refettorio della Basilica di San Zanipolo. Questa enorme tela misura ca. 18 ft × 42 ft ed è ora alle Gallerie dell'Accademia, Venezia.

​La tela di Veronese, che era commissionata per rappresentare l'Ultima Cena, lo mise nei guai con l'Inquisizione a causa di tanti dettagli di vita reale aggiunti ad essa: golosi, ubriaconi, ricchi patrizi, soldati protestanti tedeschi, cani e gatti addormentati, nani, servi, un uomo con il naso sanguinante e altri elementi potenzialmente presenti a una cena aristocratica—cose del tutto estranee ad una rappresentazione più tradizionale dell'Ultima Cena. La tela di Veronese è quindi legata alla vita reale e ad una natura artistica ribelle. In modi diversi, le tele di Vaughn sono legate a questi due stessi concetti.

Il lavoro di Vaughn è anche legato a quello di Sam Gilliam (nato 1933) che ha dipinto enormi tele colorate e le ha appese in modo liberatorio. Le tele di Gilliam sono considerate sculture eppure sono spesso modellate e formate più regolarmente rispetto alle opere di Vaughn.

Sam Gilliam, 10/27/69, 1969. MOMA, NYC.

​Il lavoro di Vaughn ricorda anche le famose tele tagliate di Lucio Fontana (1899-1968), nato in Argentina ma tornato in Italia dove ha contribuito a cambiare le tradizioni secolari della pittura italiana. Fontana ha cercato di sfuggire dalla "prigione" della superficie piatta del quadro per esplorare il movimento, il tempo e lo spazio. Vaughn a volte inizia a tagliare come Fontana, ma fa un ulteriore passo avanti con lo strappo, la modellatura e le installazioni irregolari.

Lucio Fontana. Spatial Concepts: Expectations, 1959. MOMA, NYC.

Vaughn è anche legato al gruppo Gutai (具体 美術 協会) di artisti giapponesi del dopoguerra il cui lavoro sperimentale è profondamente legato alla libertà e alla liberazione. Questo gruppo degli anni '50 si è concentrato sulla sperimentazione, sulla performance e sulla liberazione del colore mentre Vaughn ha trovato una strada leggermente diversa concentrandosi sulla liberazione della tela da se stessa.

Infine, l'opera di Vaughn ricorda lontanamente un altro dei più grandi artisti e contestatori sociali: Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Caravaggio amava spingere al limite le sue tele, anche se ai suoi tempi spingerle oltre la norma significava spesso raffigurare un realismo intenso e crudo; un ottimo esempio viene in mente nella sua Morte della Vergine ora al Louvre. Veronese e Caravaggio, tra tutti gli artisti che hanno impiegato la tela per scelta, sarebbero affascinati nel vedere come Vaughn usa e libera la stessa materia così come gli italiani pre-moderni che l'hanno usata potrebbero essere affascinati nell'apprendere che la tela rimane popolare tra gli artisti oltre oceano del 21° secolo.

Vaughn ha avuto molta esperienza in cose diverse benché abbia solo 25 anni. Ha lavorato in negozi di abbigliamento e presso un bar, ha studiato all'estero a Vienna e sta valutando se fare un MFA al Royal College di Londra. Suona la tromba ed è un gestore d'arte professionista. Gli piace andare in giro nei quartieri di St. Louis sul suo longboard. Fa parte di una galleria che segue il "modello di Filadelfia" chiamata Monaco su Cherokee Street. In futuro, continuerà un processo di decostruzione legata all'uso della tela e / o della pittura? Continuerà a decostruire l'arte prima di ricostruirla? Continuerà a creare pezzi che attraversano i generi e che rimarranno contemporaneamente dipinti e sculture? Ha davanti a sé un'entusiasmante strada da percorrere.