Wouldn't it be nice to have a personal tour guide to Italy right in your pocket? In 2014, thirty-something year old world traveller and archeologist Jack Baumann asked himself that very question. Travelling had become a passion for Jack and now he wanted to do it for a living. Following this inspiration, he created Guidester, an app and custom travel guide that simplifies, personalizes, and enriches travellers' experiences. "I wanted to develop a better way to plan and research travel to Europe, and specifically to Italy. I saw the need and set out to create a travel tool that removes all these challenges, making it easy for travelers to envision and experience their perfect trip to Italy." Jack Baumann's dream came to fruition, and since 2014, he has taken dozens of individuals and families on tour each year throughout one of the world's most beautiful countries.

During the pandemic, Jack wanted to take some time to improve his Italian, his new favorite language. He began taking Italian lessons through the St Louis Italian Language Program where he met Italian language instructor, Giovanna Leopardi. He shared his vision with Giovanna. She invited him to attend several of the Italian Community's events where he met numerous young Italians. "This is such a vibrant community," he said excitedly during an evening event at Casa Don Alfonso in Clayton. 

The Italian Community of St Louis' mission is not only to connect Italians in St Louis and provide a "home away from home" for expats but also to promote contemporary Italy and engage St Louisans about what the Italy of today is all about. Since 2017, the community has received numerous requests and inquiries from St Louisans and from individuals in the broader metropolitan area about tour packages or assistance with travelling throughout Italy. When speaking with the Director of HEC-TV Mr. Dennis Riggs, who has been on several guided tours of Italy organized through St Louis Community College, he mentioned that the "students both young and old from St Louis Community College benefited greatly from the very educational and personalized guided tours but the program ended several years ago. Many would like to see a tour of that caliber return." 

​Jack Baumann's connection has proven to be a blessing for a community growing exponentially. A partnership with his company Guidester seems to be another success in the making. Italian expats in St Louis have many contacts throughout Italy and the Mediterranean, specifically in St Louis' sister city, Bologna, in the Emilia-Romagna region, which will make individually tailored tours through Guidester even more enriching. If you are interested in Italy Tour Packages for 2022 and our exclusive destination guide, please send an inquiry to: stlouisitalians@gmail.com Please also note that members of Club Italiano Per Piacere receive a discount on all tour packages. For more information on Guidester Travel, please their website: ​www.guidester.com

Dal Consolato Generale d'Italia a Chicago ai cittadini italiani residenti a St Louis, Missouri, USA: 

​Tutti i nostri connazionali a St Louis, Missouri, saranno chiamati a votare per le elezioni dei Com.It.Es., che si terranno entro la fine del 2021 (articolo 14, comma 3, del decreto-legge n. 162 del 30 dicembre 2019, convertito in legge n. 118 del 28 febbraio 2020).

Cosa sono i Com.It.Es. e cosa fanno?

I Comitati degli italiani all’estero sono organi di rappresentanza della collettività italiana nei rapporti con le rappresentanze diplomatico-consolari e operano per l’integrazione della comunità italiana residente nel Paese straniero in cui si trovano.

Da chi sono eletti?

Sono eletti direttamente dai connazionali residenti all'estero in ciascuna circoscrizione consolare ove risiedono almeno tremila connazionali.

Chi può votare?

A questo importante appuntamento elettorale potranno partecipare i cittadini italiani maggiori di 18 anni, residenti nella circoscrizione consolare e che hanno fatto domanda di iscrizione all’AIRE (anagrafe degli italiani residenti all’estero) nella circoscrizione consolare in data anteriore al 3 giugno 2021.

Chi può essere eletto?

Sono eleggibili i cittadini italiani residenti nella circoscrizione consolare e iscritti all’AIRE, e candidati in una delle liste presentate, e che siano in possesso dei requisiti per essere candidati alle consultazioni elettorali amministrative. La candidatura è ammessa soltanto in una circoscrizione e per una sola lista.

Dal ventesimo al trentesimo giorno successivo alla data di indizione delle elezioni possono essere presentate le liste dei candidati.

Per la circoscrizione consolare di Chicago che prevede un numero di componenti Com.It.Es. pari a 12 Membri, a seguito dell’emanazione del DL 117/2021, e limitatamente alle elezioni dei Com.It.Es. previste per il 2021, il numero minimo di sottoscrizioni richieste per la presentazione delle liste di cui all’articolo 15, comma 3, della legge 23 ottobre 2003, n. 286, è fissato in CINQUANTA (anziché cento).

Per sottoscrivere le liste dei candidati è necessario essere in possesso dei requisiti per poter votare (es.: iscrizione AIRE, residenza in questa circoscrizione consolare da almeno 6 mesi rispetto alla data delle elezioni).

Per maggiori informazioni sulle modalità di presentazione delle liste e autenticazione delle firme dei sottoscrittori clicca qui.

Moduli presentazione liste e accettazione candidature per COMITES di CHICAGO e di ST LOUIS

- INFORMATIVA SULLA TRATTAMENTO DEI DATI PERSONALI PER LE ELEZIONI COMITES 2021

- MODELLO DICHIARAZIONE PRESENTAZIONE LISTA ATTO PRINCIPALE

- MODELLO DICHIARAZIONE PRESENTAZIONE LISTA ATTO SEPARATO

- MODELLO DICHIARAZIONE DI ACCETTAZIONE DELLA CANDIDATURA
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Come si vota?

Il voto si svolge per corrispondenza, ma – a differenza delle elezioni politiche e dei referendum – il plico elettorale viene spedito SOLTANTO agli elettori che abbiano presentato espressa richiesta di iscrizione nell’elenco elettorale del proprio consolato di riferimento per le elezioni dei Com.It.Es, ENTRO E NON OLTRE IL 3 NOVEMBRE 2021.

I cittadini italiani residenti all’estero e iscritti AIRE possono iscriversi sin da ora nell’elenco elettorale del proprio consolato attraverso il portale dei servizi consolari Fast It, a questo link: Servizi Consolari, selezionando la funzione dedicata alle elezioni: “Domanda di iscrizione nell’elenco elettorale per le elezioni dei Comites”.

In alternativa, il cittadino potrà far pervenire il seguente modulo per l’iscrizione nell’elenco elettorale per le elezioni dei Com.It.Es., in uno dei seguenti modi:

- consegnandolo di persona presso lo sportello del Consolato d'Italia a Chicago, all’indirizzo: 500 North Michigan av - S.te 1850, dal lunedì al venerdì dalle ore 09:30 alle ore 12:00 – previo appuntamento concordato inviando un' email al seguente indirizzo: elettorale.chicago@esteri.it e presentandosi muniti di un documento di identità;

- inviandolo per posta, insieme a fotocopia di un documento di identità comprensivo della firma del titolare, al seguente indirizzo mail: Elezioni Comites 2021 - Consolato d'Italia a Chicago, 500 North Michigan av - S.te 1850 - Chicago 60601;

-inviandolo per posta elettronica ordinaria (email) al seguente indirizzo: italcons.chicago@esteri.it; al seguente indirizzo di posta elettronica certificata (pec): con.chicago@cert.esteri.it; - insieme a copia del documento d’identità, comprensivo della firma del titolare.

Per maggiori informazioni sui Com.It.Es.: https://www.esteri.it/mae/it/servizi/italiani-all-estero/organismirappresentativi/comites.html

This year, 2021, the elections for the renewal of the Committees of Italians Abroad (Com.It.Es) will be held. The Com.It.Es are elected bodies, which represent Italian citizens and work towards the integration of the Italian communities residing in the foreign country in which they are active. The elections for the renewal of Com.It.Es will be held by the end of 2021. Italian citizens over the age of 18 registered with AIRE (Registry of Italians Residing Abroad) and residing in the Consular jurisdiction prior to June 3, 2021 will be eligible to participate in this important electoral appointment. In order to be elected, the Italian citizen must speak Italian fluently as regulated by the Accademia della Crusca and must have passed the CEFR C1 LEVELS. The Com.It.Es is principally organized to represent Italian citizens living abroad.

The elections will take place by mail. The Consulate will mail electoral envelopes to voters that have requested to be registered in the electoral roll for the elections of Com.It.Es. by November 3rd.

Please be advised that requests to be included in the electoral roll may be done so online by visiting the Fast-It portal and clicking on "Consular Registry and AIRE," followed by "Application for registration in the electoral roll for the COMITES elections."

Alternatively, the registration form may be downloaded by clicking here. Completed registration forms must be sent to the Consulate General of Italy in Chicago in one of the following ways:

- in person, along with a photocopy of a valid form of identification that includes a signature, from Monday to Friday from 9:00am to 12:00pm;

- by mail, along with a photocopy of a valid form of identification that includes a signature, to the attention of the Electoral Office at the Consulate General of Italy in Chicago;

- by email to elettorale.chicago@esteri.it or by PEC to con.chicago@cert.esteri.it, along with a copy of a valid form of identification that includes a signature.

Vibo Valentia è in grado di sfornare eccellenze che rendono onore alla Calabria, e all’Italia, in tutto il mondo. È il caso ad esempio di Luigi Giancotti, 35 anni, ricercatore, nato e cresciuto nel capoluogo vibonese e che adesso si occupa di ricerca negli Stati Uniti d'America. E non per qualcosa di poco conto: "Il mio ambito – racconta in un’intervista a Zoom24 – è lo sviluppo e ricerca di nuovi farmaci che abbiano pochi effetti collaterali nel trattamento del dolore cronico". Per rendere l’idea dell’importanza del suo lavoro, in fondo, basta un dato: uno degli ultimi finanziamenti ricevuti dal suo team ammonta a ben 30 milioni di euro.

Lui è uno dei tanti "cervelli in fuga" che, per poter esprimere al meglio le proprie potenzialità, è stato costretto a lasciare Vibo e la Calabria. Un’infanzia passata per le strade vibonesi fino a quando, proprio per motivi di studio, inizia a fare le valigie e partire. Prima Messina (dove prenderà una laurea in Biologia), poi Roma (laurea in Biologia applicata alla ricerca biomedica) dove inizierà una brillante carriera di ricercatore, in primis tramite il dottorato in Farmacologia all’Università La Sapienza. Ci tornerà, in Calabria. Ma sarà una breve parentesi: una serie di borse di studio e assegni di ricerca lo porteranno anche l’Università di Catanzaro. A fare il resto saranno un’innata intelligenza, tanto impegno e la determinazione che contraddistingue chi ha il sangue calabrese nelle vene. A Roma viene notato dalla professoressa Daniela Salvemini – direttrice del Centro di neuroscienze alla Sant Louis University – che “mi ha offerto l’opportunità di proseguire la mia attività di ricerca negli Stati Uniti e, nel 2017, mi sono trasferito a Sant Louis, in Missouri".

Da Vibo al Missouri. Dall’Europa all’America. Lo incontriamo in un momento in cui – dopo un anno e mezzo causa pandemia – è riuscito a tornare in Italia. La prima domanda per "Gino", come lo chiamano gli amici, è inevitabile: quanto è stata dura doversi separare dalla propria famiglia? "Non è stato molto difficile – racconta – perchè la mia famiglia è venuta con me, nel senso che mia moglie è anche lei ricercatrice e lavora a Sant Louis". Si tratta, tra l’altro, di un’altra eccellenza vibonese: la sua compagna di vita è infatti Milena Lauro, di Pizzo, che lavora anche lei all’importante ricerca americana. "Ovviamente però la mia famiglia di origine, i miei amici e tutti i miei cari – precisa Luigi – sono rimasti qui, quindi la lontananza si avverte. Soprattutto durante questo ultimo anno e mezzo in cui, a causa del Covid, ci sono state diverse restrizioni e non ho avuto l’opportunità di poter rientrare".

Vaccini anti Covid, sì o no? Si parla di Coronavirus e non resistiamo. Abbiamo davanti un uomo di scienza, una persona che ha lasciato la sua terra e si alza ogni mattina per dare il suo contributo alla ricerca scientifica: vaccino contro il Covid, si o no? "Assolutamente sì. Abbiamo visto gli effetti del vaccino – ci spiega – sin da subito: dopo l’impennata di gennaio e febbraio (parlo per esperienza negli Stati Uniti) appena iniziata la campagna vaccinale i casi sono scesi totalmente, e soprattutto sono scese le morti e le ospedalizzazioni".

La Calabria, e anche l’Italia, non sono famose per l’attenzione che danno alla ricerca. Da qui un dubbio: pensi tu sia stato "costretto" a partire o, invece, avresti avuto anche le stesse opportunità anche qui? "Guarda non credo di essere stato costretto: la voglia di andar fuori, di conoscere, di imparare, è quello che ho voluto fare da sempre, da quando ho iniziato a studiare. Diciamo che, conoscendo la situazione della ricerca in Italia, le opportunità qui sono poche (non parlo solo della Calabria ma dell’Italia in generale). Possiamo dire che l’esperienza che ho voluto fare è diventata una sorta di percorso obbligatorio per poter proseguire nel mio campo".

Sei nato e cresciuto nelle strade di Vibo, cosa ti porti dietro del tuo essere vibonese e calabrese? "Ti posso dire che noi calabresi, vibonesi, siamo testardi, quello che vogliamo ottenere lo otteniamo". In una parola: determinati. "E questo – aggiunge – sicuramente mi ha aiutato, dall’inizio dei miei studi ma anche negli Stati Uniti, a combattere per quello che desidero e… a ottenerlo". I calabresi nel mondo hanno una marcia in più, quindi. "Gli italiani sono ben considerati – evidenzia – in ambito lavorativo in generale ma anche nel mio campo: sono considerati tra i migliori perchè riescono a ‘ottimizzare’ e ad essere molto pratici in quello che fanno".

Che consiglio daresti a tutti i giovani che si trovano nella situazione di dover scegliere tra andare via o restare in questa terra, amata ma spesso povera di opportunità? "A loro mi sento di dire di studiare innanzitutto. Conoscere, essere curiosi. Viaggiare, confrontarsi con altre culture, uscire dalla cosiddetta ‘comfort zone’. Cercare di confrontarsi con gli altri, imparare il più possibile da chi ha più esperienza di noi, e soprattutto – sia qui che altrove – seguire le proprie aspirazioni". Prima di salutarci c’è qualche aneddoto, che vuoi raccontare, che lega la Calabria all’America? "Stiamo cercando di insegnare agli americani il dialetto calabrese". Azzardiamo: forse un’impresa più difficile della ricerca sulla farmacologia del dolore. Come sta andando? "Ci stiamo lavorando. Non è facile, però… iniziano a fare progressi".

​Per quanto riguarda l’Italia, occorre fare riferimento ai seguenti siti:
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viaggiaresicuri.it

Ministero della Salute - Viaggiatori

Disposizioni Paesi Elenco D (include Canada e Stati Uniti)

Disposizioni Paesi Elenco E (include Messico e Centro America)

Per l’equipollenza delle certificazioni vaccinali
​
Informazioni generali sul Green Pass

​La Salumeria Volpi (VOLPI FOODS), generoso sponsor della Comunità Italiana di St Louis, ha indetto un concorso riguardante i murales per festeggiare il suo 120° anniversario. L'azienda ha lanciato un bando per artisti con la promessa di un premio di $6.000 per il vincitore. È inclusa anche la presentazione pubblica del murale vincitore e del suo artista. L'edificio si trova nel quartiere "The Hill" ed è stato costruito nel 1902. L’azienda famigliare Volpi produce salumi particolari. 

Giovanni Volpi, originario di Milano, ha avviato il negozio che ora è gestito dalla sua pronipote. “Nel 1899, il mio prozio John Volpi arrivò a St. Louis da Milano, Italia, portando con sé poco più della sua esperienza riguardante il suo mestiere ed un'idea - un'idea per portare la tradizione secolare dei salumi oltre oceano a il Midwest americano”, ha dichiarato l'amministratore delegato della “Volpi” Lorenza Pasetti. “Speriamo che questo murale evochi la vibrante eredità del quartiere "The Hill".”

Agli artisti è richiesto l’invio del proprio background, una descrizione del murale di al massimo 400 parole, uno schizzo a matita del murale proposto e il proprio sito web o social media. Tutti i concept dei murales devono essere presentati entro il 30 luglio. Gli artisti devono fare attenzione a non farlo sembrare materiale pubblicitario.

Il secondo ed il terzo classificato verranno premiati in denaro, oltre ad essere presentati al pubblico. L'artista vincitore dipingerà un murale alto 16 piedi e largo 29 con vernice acrilica.  L’opera verrà dipinto tra il 15 settembre ed il 7 ottobre. Il  risultato verrà svelato il 16 ottobre. Gli artisti possono inviare i propri murales o visualizzare ulteriori informazioni su volpifoods.com.

La Salumeria Volpi è stata una fedele sostenitrice di tutto ciò che è italiano nella zona di St Louis. Ha sponsorizzato e sostenuto numerosi eventi della Comunità Italiana, della St Louis - Bologna Sister Cities e del Club Italiano Per Piacere. È l'unica autentica salumeria italiana rimasta a St Louis. Nel 2020, il senatore Luigi Augussori, durante il suo soggiorno a St. Louis, ha visitato la “Salumeria Volpi” ed ha consegnato all'azienda un'onorificenza da parte del sindaco di Borghetto Lodigiano, Giovanna Gargioni. 

Giovanni Volpi, il fondatore dell'azienda, è nato a Borghetto Lodigiano, alle porte di Milano. La Salumeria Volpi è sempre stata sostenitrice dell'italianità e soprattutto della comunità italiana di St Louis. Potrebbe essere l'unico luogo rimasto nel quartiere "The Hill" dove sentirai parlare un po' di italiano. Oltre alla “Salumeria Volpi”, dovrai recarti nel Central West End o Clayton, dove vive la maggior parte degli italiani, per ascoltare "la lingua più bella del mondo" come definita da molte persone.

Anna Conti, cliente della “Volpi” di vecchia data, mi ha riferito che il negozio è l'unico luogo dove fa la spesa a The Hill. "È l'unico luogo nel quartiere in cui mi sento un po' come a casa", ha detto. "Il resto del quartiere è cambiato. Quasi nessuno parla più l’italiano. Forse l'unica cosa italiana qui è la “Salumeria Volpi”, “Di Gregorio” e beh, anche tutte le bandiere". 

Piera Tarticchio, un'altra cliente di vecchia data (ottantenne) è estasiata dal prosciutto che dice le ricorda quelli di suo nonno. "Non sono mai venuto qui senza pensare a mio nonno ed a mio padre. Mi fa sorridere. Ed a volte piangere. Sono felice di condividere alcune delle mie cose preferite con i miei nipoti. Forse possono imparare qualcosa o due."

Dopo esser partiti in svantaggio per il goal dell’Inghilterra al secondo minuto di gioco ed aver subito attacchi e azioni offensive durante il primo tempo della partita, l’Italia ha ripreso in mano le redini del gioco: il goal di Leonardo Bonucci ha riaperto la sfida, dando carica a tutti gli altri giocatori che non si sono risparmiati pur di portare a casa il risultato: I'ITALIA E' CAMPIONE D'EUROPA!

Non è stata una partita semplice, come abbiamo già detto il primo tempo è stato scandito dall’attacco dei giocatori dell’Inghilterra, ma nel secondo tempo il goal del pareggio ha ristabilito l’equilibrio e ha ridato forza e coraggio alla nazionale. Mantendono la sfida a ritmi serrati senza subire ne fare goal, si è arrivati ai tempi supplementari: i ragazzi sfiniti non si sono dati per vinti attaccando e restando compatti all’interno della loro meta campo.

Si è così giunti ai rigori, stanchi ma con ancora il cuore pulsante per la speranza di vincere e portare a casa il titolo europeo: ai calci di rigore è stato Berardi a segnare per primo, poi la parata del tiro di Belotti, la rete di Bonucci. Fortuna ha voluto che Rashford sbagliasse il tiro e prendesse in pieno il palo, ristabilendo di nuovo il pareggio. Poi è stato il turno di Bernardeschi, che ha tirato un rigore magistrale, e la parata fenomenale di Donnarumma che bloccato il quarto rigore tirato da Sancho.

Quando tutto sembra ormai deciso Jorginho sbaglia il tiro che avrebbe proclamato la definitiva vittoria degli Azzurri, tutto è rimasto nelle mani di Donnarumma che ha fatto il miracolo: para il tiro bomba di Saka, mettendo un punto ai giochi e chiudendo il match con la vittoria della Nazionale Italiana!

Dopo giorni in cui i rotocalchi e le emittenti inglesi davano già per vinto questo Europeo, la vittoria dell’Italia è diventata ancora più importante per l’intero paese: si attende questa vittoria dal 1968, la Coppa torna a Roma, dopo una mancanza lunghissima di ben 53 anni; mentre per la Nazionale Inglese è l’ennesima sconfitta nell’Europeo che non vede la coppa dal 1966.

A St Louis, l'entusiasmo degli Italiani è incontenibile. La gente è impazzita di gioia. Tutti erano a Villa Bucci (West County) o all'Amsterdam Tavern (South City) per vedere la partita e festeggiare la vittoria degli Azzurri!

This unassuming Midwestern city may be best known as the home of the Gateway Arch, but Saint Louisans are equally proud of being the home of one of America’s most enduring Italian neighborhoods—The Hill. In fact, The Hill is arguably that last remaining “Little Italy” in the United States. But the proof is in the panna cotta and there can be no greater affirmation of St. Louis’ Italian bonafides than the much-awaited debut of Casa Don Alfonso—the first American outpost of the legendary two-star Michelin Don Alfonso 1890 in Sant’Agata, Italy. Casa Don Alfonso takes its place as the opulent flagship restaurant in the newly renovated Ritz-Carlton St. Louis. For Mario Iaccarino, CEO of Don Alfonso 1890 (which is very much a family-run restaurant), St. Louis was love at first sight. “From the moment I landed in St. Louis people welcomed me like family.” And, adds Iaccarino, “when residents from The Hill came to eat at Casa Don Alfonso and I heard them say, ‘Mario, I am dreaming of home, of my childhood.’ Well, then I knew we were going in the right direction.”

Indeed, it is impossible not to be transported while dining here. The house tomato sauce with its vivid blood-orange hue comes from tomatoes grown on the slopes of Vesuvius, and the organic olive oil hails from a small Sicilian producer. Even the server uniforms feature bow ties and scarves made at a small textile factory in Positano on the Amalfi coast.

In creating the menu, Iaccarino spent hours paging through his grandmother’s recipe books for inspiration. He wanted this menu to reflect both the traditional cuisine of Italy’s Amalfi coast as well as the region’s historic role as one of the first stops along the Silk Road. “So much of our cuisine was influenced by these cultures,” he explains. “The Casa Don Alfonso menu represents 2000 years of history as related to the Mediterranean, from the spices and vegetables to the wine and even the pasta, which originally came from China.” It also represents the best of Italian ingredients.

Consider the pasta. Says Iaccarino, “I did intensive research and study of every detail, not just recipes but design elements and products that we could bring to St. Louis.” At this point Iaccarino holds up a bag of pasta to the camera on our zoom call, “See this,” he says, pointing to the pasta, “This is what we are serving at Casa Don Alfonso. It is the best pasta you can buy in the world. When you eat our rigatoni, you eat the best rigatoni on earth. We want your meal to be a full cultural experience, when you close your eyes and eat our fritto misto we want you to smell the sea and feel the Neapolitan sunshine.”

You will taste Italian sunshine but there is so much more to this restaurant than an exquisite plate of food. The entire restaurant is a glorious temple to detail; right down to the dramatic display of 600 hand-blown glass leaves (which must be hand-polished every two weeks) that hover daintily over the main dining room. The massive open kitchen is pure culinary theatre with a hand-painted tiled backsplash and copper-clad ceiling that set the stage for the bustling squadron of toque-clad chefs.

The seating is an expansive spread of leather banquettes and plush chairs. The dining room energy is vibrant and electric but the seating and sound-proofing millwork is done in such a clever way that you’ll still enjoy a personal cocoon of quiet—and be able to hear your companions.

The menu is not a classic Italian menu. Grandma’s Ziti and the decadent Maccheroni Gratin (from Grandfather Alfonso’s recipe) are standouts, but so are innovative and fresh offerings such as vegan anti-aging soups or the ethereal marinated red snapper veils—paper thin slices of snapper laced with fresh herbs, pink peppercorn and topped with savory orange supreme and mint yogurt drizzle.  A wood-fired pizza is always an option (Black Truffle or Calabrian Nduja anyone?) but our server points to the lasagna, which she proudly explains, “is made with short rib and takes three days to make.”

The Housemade Tagliatelli is light and delicate, laced with crab and lobster bisque and a dusting of marjoram and topped with plump tender shrimp. If you aren’t lost in the Mediterranean already, you surely will be with the Catch of the Day—fresh fish poached in a savory broth and presented tableside wrapped like a birthday present in a pretty translucent foil bag.
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From the moment he arrived in the Show-Me State, Iaccarino felt as if St Louis was another home. “It was a natural place to build a second home for the restaurant,” he says; “I have met a community of really wonderful people here. We want Casa Don Alfonso to be a beautiful lady for St. Louis—a factory of happiness.”

Sorrisi e applausi, ma anche qualche lacrima, e tante emozioni vissute alla presentazione del libro di poesie “Terra, Acqua, Pane” di Martina Trento Dagostini al club Italiano Per Piacere di St Louis, venerdì, 11 giugno 2021. Le sue poesie sono belle e le sue storie sono commoventi. La presentazione era LIVE direttamente dall'Istria, e specificamente dalla sala della comunità degli italiani di Matterada. 

Martina Dagostini è nata a Pola ed è cresciuta in un paesino non lontano dalla famosa Matterada. Tra le sue attività da menzionare la filodrammatica della Comunità degli Italiani di Matterada di cui ha fatto parte per 10 anni. Della stessa comunità è stata anche Presidente. Tra i suoi hobby troviamo la fotografia e la country line dance. "Terra, Acqua, Pane" è la prima raccolta poetica di Martina Dagostini, contiene poesie alle quali ha lavorato fin dai tempi della scuola e questa piccola raccolta è solo una parte dei suoi lavori che ha deciso di condividere. Ringraziamo tutti quelli che hanno partecipato. 

Meet Bianca Fields. She grew up in an artistic household in Cleveland, Ohio, as her father was an artist and an inspiration, and she followed  his lead by earning her BFA in Painting from the Cleveland Institute of Art (2019). She is  currently based in Kansas City, Missouri. Bianca chooses to work with an unusual and original mix of figures from American pop culture alongside primates and savage beasts found in jungles, forests and zoos. She forces us to question our role and responsibilities in the world as humans. Looking at her body of work in this show takes us on the equivalent of a roller coaster ride, a somewhat frenzied experience where we might laugh and feel nostalgia for certain cartoon characters—or perhaps we might turn to feel fear and scream or cry as if caught in a childlike nightmare.  

Bianca’s response to her experiences in 21st century living is highly original. She enters the  psyche of make-believe characters as well as that of wild primates. Humans created the cartoon  characters and yet they are themselves part of the primate family—so there is ample food for  thought about our place in the larger scheme of things. Are we more like contrived puppet actors  following scripts on TV invented by fellow humans, or are we more like wild animals improvising our lives? Should we live our lives in a somewhat naïve, blissful fashion based on idealized scripts from Sesame Street or in a more defensive and aggressive mode as if we were fighting for survival in nature alongside other hungry creatures? Bianca reminds us that humans can act in  many ways and exist in many forms, from happy and naïve to hateful and aggressive, from  ignorant and absurd to sophisticated, scientific animals of reason…and in her painting world, these characters can coexist adjacent to and in dialogue with one another on the same canvas.    

Many of Bianca’s works focus on Count von Count, the iconic counting character (loosely based on Count Dracula) who has appeared on Sesame Street since 1972—yet who is already allegedly 1,832,652 years old. Bianca loved math in school, especially geometry and pre-calculus so it’s no surprise she was attracted to a figure who loves numbers and wholeheartedly promotes them. Bianca finds it amusing that he counts so much and that so much can allegedly be quantifiable in life; she revisited his persona when he appeared as a popular meme in 2020. 

For this show Bianca created a giant version of the Count, one with elongated arms and gigantic  hands. Her soft sculpture currently dangles over the loft ledge, watching over the gallery while we can imagine him counting drawings, window frames, floor tiles, lightbulbs, and possibly humans.  

Below one of his arms hangs one of Bianca’s many drawings of the Count. In this particular rendition he can be seen in an intense emotional state, crying over bananas. Near that drawing  hangs another portrait of the Count who shares the canvas with a portrait of a Mandrill monkey  from equatorial Africa. Bianca seems to feel nostalgia not only for childhood cartoons but also for our deep human past fixed in the primate world.  

Besides the Count, Bianca turns to other “vintage” characters from Tom and Jerry (created 1940), Kermit The Frog (created 1955) and the cereal box legend Count Chocula who has appeared on  grocery store shelves since 1971. Bianca is young but already has an incredible understanding of  materials, especially colourful paints and their textures, and how they can help her amplify her intentions.

The artist certainly questions traditional concepts of beauty—and apparently for Bianca beauty  means originality, truth, open-mindedness, open-endedness, inner psychological investigation,  vulnerability, and perhaps an unresolved understanding of how we should act as humans. If we zoom in to look more closely at her work we might describe her painting as luscious, messy, grotesque, goopy, juicy, layered, bloody or simply bizarre. We could also say that her work is full of cartoon energy, savage beast energy, fantasy, fear, and humor—all in one. The works are so intense at times that they appear to create visual noise—screaming out to be seen. Take, for example, the Count (below on the right), who is painted rich and thick. In this particular work, the Count might be compared to some of the earlier work by Katherine Bernhardt (b. 1975) who has also focused on thick painterly renditions of E.T. and other pop cultural figures.

Bianca’s subject matter recalls that of another female artist, Joyce Pensato (1941-2019), who focused a lot of her energy on renditions of Mickey Mouse, Batman, and other American cultural icons. Bianca’s work also recalls some of the artistic techniques used by Philip Guston (1913-1980). The unusual content matter in the portraits also loosely references the Italian Mannerist movement during which time painters chose to juxtapose the odd and unexpected, particularly present in the work of Agnolo di Cosimo Bronzino (1503-1572); his painting (above on the left) features Venus, Cupid, honeycomb, a snake, a scorpion, Father Time, masks, and a personification of syphilis. Bianca herself loves the whim, color and style in the work of the contemporary American painter Laura Owens (b. 1970). More juicy, gooey and/or grotesque methods can be seen in these final three images (below) that highlight some of the details of certain paintings and a drawing. The images focus also on fangs, mouths, and dripping saliva paint. Just as the Count depends on quantification through numbers to create his sense of reality, Bianca creates her sense of reality from unquantifiable brushstrokes and qualitatively rendered wild animals. Her work helps us all search for our soul, our identity—and perhaps these works are all self-portraits of who we are as we create and continually reshape  for ourselves our own personal sense of humanity. 

​Damon Davis (b. 1985, East St. Louis) is actively involved in many creative practices in St. Louis: he works as a visual artist, a musician and music producer, and he earned an MFA in filmmaking—so he is often busy working in film production.  Damon has an interesting mixed heritage, and he often explores topics related to American identity as his mom was Native American and French from Louisiana and his dad was an African American active with the Black Panthers.  Damon was raised Roman Catholic yet at the same time became interested in subversive créole culture and in learning about voodoo and Yoruba. 

Damon creates art made of a variety of elements from different cultural norms, and he often explores what it is to be a Black American man. He puts together parables and magical stories that reflect his experiences and teach about human nature. He is fascinated by storytelling across cultures. 

In 2011 Damon founded an experimental musical artist collective called FarFetched in a city where the presence of a lot of African American music created a strong culture and identity—thanks to Miles Davis, Chuck Berry, Josephine Baker, Ike and Tina Turner and many more.  As Damon collaborates with local musical talents, he found time to create his own albums exploring Afrofuturist themes like science fiction, créole mysticism and alternative Blackness as seen in his albums Darker Gods and The Holy Mountain. As a music producer he is known as LooseScrewz and active on different venues, from PBS to MTV.  

Among other projects, as a visual artist while on a residency program at Grinnell College in 2019, he created sculptural busts made out of crystals embedded in concrete.  They are fascinating to look at while they carry heavy conceptual meaning. They are about vulnerability, masculinity, grieving and trauma caused by loss and pain.  The pieces are physical representations of mental strain and vulnerability as well as great strength. For more on his show at the Grinnell College Museum of Art (2020), see www.heartacheandpaint.com.

 To turn back a few years, Damon actively worked with different kinds of artistic expressions in response to what went on after the killing of teenager Michael Brown in Ferguson (August 2014). In Damon’s words,  “All Hands On Deck [the name of his project] captured the hands of people who shaped and upheld the movement. These prints were wheat-pasted onto boarded-up businesses of West Florissant, a street of significant protest. The project in itself was a protest to change the physical space of the street as the boarded buildings created a narrative of destruction before anything had even happened which fed into the media’s biased portrayal of the protesters. It was a way to weaponize art to create a counternarrative centered on the unity and love I saw every time I went out to protest. It sought to raise the morale of the protest community to continue the long fight.” The installation was tweeted by Banksy as “the most powerful street art in the world” in that moment and was later recognized as one of “The 100 Works of Art That Defined the Decade” by Artnet critic Ben Davis. The series lives on as a digital archive and set of lithographs. The original wheat pastes are now in the Smithsonian's collection. 
  
Damon also made about 130 small drawings about the protests in a series called Negrophilia as he recorded images of people he saw and words he heard.  He experimented with crossing out words in texts as a representation of how history is made—based on limited and selected information—and certainly not on a full or critical bigger picture as it should be in an ideal situation. How history is created is an absolutely fascinating topic for thought and something usually left to history professors in a classroom or to thoughts left in academic books. Through  his conceptual art, Damon literally and visually shows how history has almost always been shaped—by those in power. His piece here is incredibly powerful as Damon took a magic marker to the text to distort the original message and to explore how the record and ultimately “history” is written. For a link to text and images from this series, see: www.heartacheandpaint.com/Negrophilia.

In 2017 Damon next released another piece of his work, this time a documentary film that he co-directed called Whose Streets that opened later that year at the Sundance Film Festival. Damon was invited to do a TED talk about fear, courage, anger and love—stemming yet again out of the multifaceted community work he did in Ferguson. 

Moving beyond the St. Louis-inspired projects, Damon travelled to Ghana on the Indelible Arts Residency where he wrote, directed, shot and created music for The Stranger (2018).  In Damon’s words, “It is an allegorical story that speaks to the complex relationship between the Diaspora and the continental African people, as well as the rift that slavery created and the expectations of a person returning to a “homeland” they have never seen. It follows a stranger who falls from the sky in search of a castle and a queen who may not be exactly what he expects.” The protagonist returns to West Africa to explore his forefathers’ origins yet at the same time feels like a stranger there. Damon also explains how some Americans can feel like strangers even in America as they are not always accepted by mainstream America. He thinks that this liminal and challenging state makes African Americans able to adapt to all kinds of life situations. 

One of Damon’s current projects is entitled Darker Gods, an Afro-Surrealist mythological fable that introduces a universe where people of color are gods. He explains, “Challenging the devaluing nature of western representations of Blackness in the media and popular culture, the collection of works is made through a Black aesthetic for the Black community to see themselves in all of their grace and complexity.”  Damon created a pantheon of thirteen deities that rule over a parallel universe as well as a garden serving as a gateway where the two worlds meet. At the intersection we see fantasies of Blackness reminiscent of Yoruba and Greek mythology. The second chapter in this epic story, Darker Gods at The Lake of Dreams, will be opening at Betti Ono Gallery in Oakland, California, in June. 
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Damon thinks a lot about American history—how America developed and the plight of African Americans. His work addresses some of the most challenging concepts related to race and to potential change. He strongly believes that art has the power to make change because he believes that art will be truthful and because artists are creative problem solvers, much like scientists. He believes that storytelling will help put light into the world for people who don’t have a voice. He explains that we know so much about other cultures through their art and cinema and that these media have the power to unveil our identity and potentially heal our culture. For more information please visit:
www.pbs.org/wnet/americanmasters/damon-davis-apologue-for-the-darkest-gods/15

Damon Davis (nato nel 1985 a East St. Louis) è attivamente coinvolto in molte pratiche creative a St. Louis: lavora come artista visivo, musicista e produttore musicale. Ha conseguito un MFA in regia cinematografico, quindi è spesso impegnato nella produzione cinematografica. Damon ha un'eredità mista interessante ed esplora spesso argomenti relativi all'identità americana poiché sua madre era indigena americana e francese nata nella Louisiana e suo padre era afroamericano e faceva parte del gruppo Black Panthers. Damon è cresciuto come cattolico ma allo stesso tempo si è interessato alla cultura créole sovversiva e all’apprendimento di vudù e Yoruba. 

Damon crea arte composta da una varietà di elementi provenienti da diverse norme culturali, e spesso esplora cosa significhi essere un uomo nero americano. Mette insieme parabole e storie magiche che riflettono le sue esperienze e insegnano la natura umana. È affascinato dalla narrazione attraverso le culture.

Nel 2011 Damon ha fondato un collettivo di artisti musicali sperimentali chiamato FarFetched in una città in cui la presenza di musica afroamericana ha creato una forte cultura e identità, grazie a Miles Davis, Chuck Berry, Josephine Baker, Ike e Tina Turner e molti altri. Mentre Damon collabora con talenti musicali locali, ha trovato il tempo per creare i suoi album esplorando temi afrofuturisti come la fantascienza, il misticismo créole e l'alternativa Blackness come nei suoi album Darker Gods e The Holy Mountain. Come produttore musicale è conosciuto come LooseScrewz, ed attivo in luoghi diversi, da PBS a MTV.

Tra gli altri progetti, come artista visivo mentre ha partecipato in un programma di residenza presso Grinnell College nel 2019, ha creato busti scultorei realizzati con cristalli su cemento. Sono affascinanti da guardare mentre portano un significato concettuale importante. Riguardano vulnerabilità, mascolinità, dolore e trauma causate da perdita e sofferenza—e quanta responsabilità nella vita un uomo può mettere su se stesso; inoltre il lavoro manifesta sentimenti che riguardano il limite necessario per spezzare un uomo. I pezzi sono rappresentazioni fisiche di tensione mentale e vulnerabilità oltre che di grande forza.  Per ulteriori informazioni sulla sua mostra del 2020 al Grinnell College Museum of Art, vede www.heartacheandpaint.com. 

Per tornare indietro di alcuni anni, Damon ha lavorato attivamente con diversi tipi di espressioni artistiche in risposta a ciò che è accaduto dopo l'uccisione dell'adolescente Michael Brown a Ferguson (agosto 2014). Nelle parole di Damon, "All Hands On Deck [il nome del progetto] ha catturato le forme delle mani delle persone che hanno organizzato e sostenuto il movimento. Queste stampe sono state incollate con la colla di farina su attività commerciali sbarrate di West Florissant, una strada di significativa protesta. Il progetto in sé era una protesta per cambiare lo spazio fisico della strada poiché gli edifici chiusi con assi di legno creavano una narrazione di distruzione prima ancora che fosse accaduto qualsiasi cosa, il che alimentava la rappresentazione parziale dei manifestanti da parte dei media. Era un modo per trasformare l'arte in un'arma per creare una contro-narrativa centrata sull'unità e sull'amore che vedevo ogni volta che uscivo per protestare. Il progetto cercava di sollevare il morale della comunità di protesta per continuare la lunga battaglia.” L'installazione è stata twittata da Banksy come "la più potente arte di strada del mondo" in quel momento ed è stata successivamente riconosciuta come una delle "100 opere d'arte che hanno definito il decennio" dal critico di Artnet Ben Davis. La serie esiste ora come archivio digitale e come un set di litografie. Le opere originali sono conservate nella collezione dello Smithsonian.

Damon ha anche realizzato circa 130 piccoli disegni sulle proteste in una serie chiamata Negrophilia su registrazione di immagini di persone che ha visto e parole che ha sentito. Ha sperimentato la cancellazione di parole nei testi come rappresentazione di com'è scritta la storia—sulla base di informazioni limitate e selezionate—e certamente non su un quadro completo o critico più grande come dovrebbe essere in una situazione ideale. Il modo in cui viene creata la storia è un argomento assolutamente affascinante e qualcosa di solito lasciato ai professori di storia in qualche aula o ai pensieri scritti nei libri accademici. Attraverso la sua arte concettuale, Damon mostra letteralmente e visivamente come la storia viene quasi sempre messa insieme e scritta da chi teneva il potere. La sua opera qui è incredibilmente potente poiché Damon ha applicato un pennarello al testo per distorcere il messaggio originale per esplorare come viene prodotto qualche testimonianza e, in definitiva, la “storia". Per un collegamento al testo e alle immagini di questa serie, vede:
​www.heartacheandpaint.com/Negrophilia. 

Nel 2017 Damon ha lanciato un altro lavoro, un film documentario che ha co-diretto chiamato Whose Streets, che è stato visto in anteprima al Sundance Film Festival.  Damon è stato invitato a fare un TED talk sulla paura, il coraggio, la rabbia e l’amore—che derivano ancora una volta dal lavoro multiforme della comunità che ha svolto a Ferguson.

Andando oltre i progetti ispirati a St. Louis, Damon si è recato in Ghana per un programma di residenza con Indelible Arts dove ha scritto, diretto, girato e creato musica per The Stranger (2018).  Nelle parole di Damon, “è una storia allegorica che parla del complesso rapporto tra la diaspora e il popolo africano continentale, così come la spaccatura che la schiavitù ha creato e le aspettative di una persona che ritorna in una “patria” che non ha mai visto. Segue uno sconosciuto che cade dal cielo alla ricerca di un castello e una regina che potrebbe non essere esattamente quello che si aspettava.”  Il protagonista torna in Africa occidentale per esplorare le origini dei suoi antenati ma allo stesso tempo si sente come un estraneo. Damon spiega pure come alcuni americani possano sentirsi estranei—anche in America—poiché non sono sempre accettati dall'America convenzionale (insomma quella gestita dalla cultura dominante). Lui pensa che questo stato liminale e oneroso renda gli afroamericani in grado di adattarsi a tanti tipi di situazioni di vita.

Uno dei progetti in corso di Damon è intitolato Darker Gods, una favola mitologica afro-surrealista che introduce un universo in cui le persone di colore sono Dei. Spiega: "Sfidando la natura svalutante delle rappresentazioni occidentali della Blackness nei media e nella cultura popolare, la raccolta di opere è realizzata attraverso un'estetica nera affinché la comunità nera possa vedere se stessa in tutta la sua grazia e complessità". Damon ha creato un pantheon di tredici divinità che governano su un universo parallelo e un giardino che funge da porta d'ingresso dove i due mondi si incontrano. A questo incrocio ci sono fantasie di Blackness che ricordano Yoruba e la mitologia greca. Il secondo capitolo di questo epico, Darker Gods at The Lake of Dreams, aprirà alla Betti Ono Gallery di Oakland, in California, a giugno.

Damon si dedica molto alla storia americana, a come si è sviluppata l'America e alla difficile situazione degli afroamericani. Il suo lavoro affronta alcuni dei concetti più impegnativi legati ai problemi razziali e ai potenziali cambiamenti. Damon crede fermamente che l'arte abbia il potere di apportare cambiamenti perché l'arte sarà veritiera e perché gli artisti risolvono problemi creativi, proprio come gli scienziati. Crede che il racconto aiuterà a far luce nel mondo per le persone che non si sentono di avere voci nella società. Spiega che sappiamo così tanto delle altre culture attraverso la loro arte e i loro cinema e che questi media hanno il potere di svelare la nostra identità e potenzialmente curare la nostra società. Per ulteriori informazioni, vede: www.pbs.org/wnet/americanmasters/damon-davis-apologue-for-the-darkest-gods/15797/. 

Come anticipato qui sopra, quest’ultimo semestre ho avuto l’opportunità di insegnare in un  corso di cinema che tratta film di registe donne e tra questi abbiamo studiato sei film di registe italiane incentrati su tematiche di attualità relative alla vita di donne italiane. Anche a St. Louis abbiamo una donna dietro il nostro mondo di cinema italiano: Barbara Klein. Per il suo lavoro nel campo della promozione della cultura italiana e dell’amicizia tra i nostri due paesi, Barbara è stata nominata dal Presidente della Repubblica Italiana “Cavaliere dell’Ordine della Stella d'Italia” nel 2017. Conosciamola! 

Come hai avuto l’idea di creare un festival di cinema a St. Louis?  

Allora nel 2003 sono rientrata dall’Italia. Stavo lavorando come revisore contabile presso  KPMG a Milano. Qui a St. Louis ho notato che c’erano poche possibilità di vedere film italiani  e allo stesso tempo ho notato anche che c’erano altri festival di cinema italiano negli Stati Uniti.  

Come hai messo l’idea in piedi?  

Ho parlato con Lido Cantarutti a San Francisco in California. Mi ha spiegato come ottenere i film dall’Italia e spedirli a St. Louis. È il mio mentore. Quindi nel 2005 ho iniziato il festival a St. Louis poi si è esteso a tredici altre città americane: Boston, Boulder, Chicago, Cleveland. Detroit, Indianapolis, Kansas City, Memphis, Milwaukee, Phoenix, Pittsburgh, Portland e Salt Lake City. Aveva senso espandere il festival in altri luoghi per diversi motivi, ed alla fine è stato più facile estenderlo perché in questo modo tutte le città coinvolte condividono le spese del festival. Poi c’è da dire che siamo tutti volontari, non esistono stipendi dietro questo festival, l’Italian Film Festival USA (IFFUSA).  

Dove si vedono i film? E chi va a vederli?  

Le proiezioni sono fatte negli auditorium dei campus universitari della zona metropolitana; e cosi sia i professori che gli studenti di lingua e cultura italiana possono essere coinvolti. In più c’è da dire che i film sono destinati ad un pubblico locale; l’idea è di mettere la gente di St. Louis in contatto con la lingua e la cultura italiana tramite il mondo del cinema italiano  contemporaneo.  

Come scegli i film? Quanti film fanno parte del festival? 

Dietro le quinte c’è tanto lavoro da fare. Devo guardare tanti film per scegliere quelli che  potrebbero essere accolti meglio dal pubblico americano. Appena finisce un festival, inizio a trovare film per l’edizione successiva. L’anno scorso penso di aver visto cento film. Devo  vederne molti per trovare quelli giusti. Io e i miei colleghi scegliamo 15-17 film per ogni festival.  Nel 2019 c’erano quindici film e poi c’è pure il programma di cortometraggi, curato dal mio collega Piero Erbaggio di Detroit. I film scelti per l’anno 2020 rimarranno in attesa fino a  quando non li potremo guardare insieme dal vivo.

Quando si svolge il festival?

Di solito IFFUSA è in aprile. Nel 2020, per via della pandemia, abbiamo organizzato tre edizioni online per intrattenere e stare in contatto con il pubblico dell’IFFUSA: Shorts at Home, IFFUSA@Home-Spring e IFFUSA@Home-Autumn. E nel febbrario-marzo del 2021 abbiamo avuto IFFUSA@Home-Winter. Visto che il tutto era virtuale, alcuni film erano  disponibili per dodici ore mentre altri avevano un numero fisso di spettatori che potevano accedere al sito—queste decisioni a proposito dei limiti della disponibilità sono state prese dai distributori in Italia. Guardando in avanti verso la primavera del 2022, le proiezioni dovranno essere dal vivo di nuovo presso i campus universitari e altri luoghi delle varie città incluso il  Kemper Museo di Arte Contemporanea a Kansas City e il Film Theater di Detroit. I film per il 2022 sono già stati scelti. Per ulteriori informazioni potete controllare il sito:  www.italianfilmfests.org.  

Per curiosità, quali altri festival di cinema sono ospitati qui a St. Louis? E quali altri  festival di film italiani sono importanti negli Stati Uniti?  

Allora per iniziare St. Louis organizza diversi festival di cinema incluso:

Whitaker St. Louis International Film Festival (SLIFF)

African Film Festival 

Classic French Film Festival

LGBTQ+ Film Festival (QFest)

St. Louis Filmmakers Showcase 

Poi, sul sito di Cinema St. Louis (CSL), si può iscrivere alla loro e-newsletter, Cinéscoop.  Ci sono pure molti festival di cinema italiano negli States. La Casa Zerilli-Marimò alla New York University organizza N.I.C.E. che già festeggia i suoi 30 anni; come istituto sponsorizza tantissime iniziative cinematografiche ed altro: www.casaitaliananyu.org/events.  

Insegni cinema da qualche parte?

No, ma insegno corsi di lingua italiana e cultura italiana presso la rete della St. Louis Community College (STLCC) e alla Southern Illinois University/Edwardsville (SIUE).

Vorrei aggiungere che anche Bologna ha una radicata tradizione di cultura cinematografica —quasi come Roma, ma molto diversa. La facoltà universitaria di DAMS (Discipline delle arti, della musica e dello spettacolo) è l’unica in tutta l’Italia, vedi www.corsi.unibo.it/laurea/DAMS per scoprire di più. Bologna ha inoltre la fortuna di ospitare un cinema speciale, Cinema Lumiere, che organizza numerosi festival durante tutto l’anno, vedi: www.cinetecadibologna.it/. Per chi ama il cinema, questo posto è un gioiello al livello europeo ed internazionale. Bologna ospita anche un programma importante sui diritti umani intitolato Human Rights Nights Film Festival, www.humanrightsnights.org​ e un fantastico festival estivo, Cinema Ritrovato, all’aperto in Piazza Maggiore, www.festival.ilcinemaritrovato.it/

Dragon, Crab and Turtle è il nome di una nuova galleria d’arte a St. Louis. Si trova nel nostro  “Midtown Design District” su Locust Street, non lontano dalla Saint Louis University. La galleria è aperta dall’anno scorso ed è stata fondata da una pittrice conosciuta, Katherine Bernhardt, mia sorella. Nel 2017 Katherine ha dipinto un enorme mural per il museo CAM (Contemporary Art Museum qui a St. Louis, 3750 Washington Blvd, e vedi https://camstl.org/exhibitions/katherine-bernhardt/). Dopo la mostra, ha deciso di tenere il lavoro ma le serviva uno spazio adeguato e quindi ha comprato un palazzo nei dintorni. La galleria è nata un pò per caso in quello stesso spazio.  A causa del Covid, la galleria non ha un orario regolare ma rimane aperta di solito il sabato mattina dalle 10:30 a mezzogiorno e/o su appuntamento. L'indirizzo è 2814 Locust Street, St. Louis, Missouri 63130. Vi invitiamo a trovarci! Annunciamo i vernissage ed altro sui nostri account Instagram: @elizabethbernhardt @kbernhardt2014 @dragoncrabandturtle 

Nato a St. Louis nel 1995, Vaughn Davis Jr. è cresciuto con l'arte nella sua famiglia: sua nonna crea oggetti e decora la sua casa in modo eclettico e suo padre è sempre stato bravo a disegnare. Vaughn ha continuato a seguire questi stessi percorsi familiari e poi si è laureato in arte: ha ricevuto il suo BFA in scultura (con lode) presso la Webster University.

​Vaughn inizia il suo lavoro come la maggior parte dei pittori. Mescola colori e pittura su tela e spesso usa tinte tradizionali che sarebbero piaciute agli antichi maestri: rossi, blu, gialli, verdi, ecc. Ma a differenza di molti dei vecchi maestri, Vaughn ama dipingere le tele quando sono bagnate in modo che i pigmenti stingono e si espandano l'uno nell'altro. Gli piace anche dipingere entrambi i lati delle sue tele. Continuando a lavorare contro la secolare tradizione europea fissata nelle regole e nei regolamenti delle corporazioni, Vaughn continua il suo processo di decostruzione in numerose mode. Usa tele prive di cornici, quindi il suo lavoro non fa riferimento a quadrati fissi "intrappolati" in cornici (come la maggior parte delle opere su tele). Affligge la sua tela dipinta e sciolta con l'aiuto di coltelli, forbici, lame e le sue stesse mani. Taglia, strappa, imbratta e deforma le sue tele senza mai rimuovere alcun elemento del tessuto; quindi se le sue tele fossero di nuovo appiattite, sarebbero intatte e intere. Spiega che la sua arte è una reazione al passato, una reazione ai classici; è un'arte di protesta.

Vaughn trasforma queste tele dipinte e strappate in sculture 3D che sfidano la compostezza. Spiega che strappa per “aprire” la tela, per liberare la sua planarità. Sembrano davvero libere.  Spiega che il processo di decostruzione delle tele significa una ricerca ed una apertura del sé stesso. In questo modo, l'ho visto strappare alcuni dei suoi lavori che erano già stati appesi sui muri della galleria; ha detto che anche il suono dello strappo della tela è terapeutico. I prodotti finali sembrano essere dipinti e sculture allo stesso tempo. Inoltre le sue opere sono in movimento nel senso che sono in grado di evolversi. Ogni volta che vengono spostati, i pezzi assumono nuove forme e curve. a seconda di come vengono appesi.  Poiché diventano così diversi ogni volta che vengono mostrati, Vaughn ha persino dato loro titoli diversi quando si trasformano in luoghi diversi. Lui lo chiama un lavoro “freestyle.”

​È affascinante pensare che la tela sia stata utilizzata dagli artisti da circa 500 anni. La tela fu resa popolare dai pittori veneziani nel Cinquecento (come Paolo Veronese,1528-1588) nel suo controverso ed enorme dipinto, Cena in casa di Levi), e il suo uso si diffuse poi da Venezia in tutta Europa e nel mondo dell'arte. A Venezia, la tela, realizzata con fili intrecciati della forte e resistente pianta di canapa coltivata sulla terraferma era tessuta localmente e fu prontamente disponibile per i marinai per le vele delle loro navi.  Fu successivamente adottata da pittori pratici per grandi composizioni. La tela pesa molto meno del pannello in legno, non si deforma come il legno per l’umidità locale, è più facile da spostare rispetto al pannello poiché è arrotolabile, costa meno del pannello e non cade dai muri come fanno gli intonaci bagnati o gli affreschi nelle case costruite letteralmente nell'acqua intorno ad una laguna. È affascinante vedere Vaughn, un artista del 21 ° secolo in posto come St. Louis, riprendere questo stesso materiale storico nel suo lavoro.

​La tela di Veronese, che era commissionata per rappresentare l'Ultima Cena, lo mise nei guai con l'Inquisizione a causa di tanti dettagli di vita reale aggiunti ad essa: golosi, ubriaconi, ricchi patrizi, soldati protestanti tedeschi, cani e gatti addormentati, nani, servi, un uomo con il naso sanguinante e altri elementi potenzialmente presenti a una cena aristocratica—cose del tutto estranee ad una rappresentazione più tradizionale dell'Ultima Cena. La tela di Veronese è quindi legata alla vita reale e ad una natura artistica ribelle. In modi diversi, le tele di Vaughn sono legate a questi due stessi concetti.

Il lavoro di Vaughn è anche legato a quello di Sam Gilliam (nato 1933) che ha dipinto enormi tele colorate e le ha appese in modo liberatorio. Le tele di Gilliam sono considerate sculture eppure sono spesso modellate e formate più regolarmente rispetto alle opere di Vaughn.

​Il lavoro di Vaughn ricorda anche le famose tele tagliate di Lucio Fontana (1899-1968), nato in Argentina ma tornato in Italia dove ha contribuito a cambiare le tradizioni secolari della pittura italiana. Fontana ha cercato di sfuggire dalla "prigione" della superficie piatta del quadro per esplorare il movimento, il tempo e lo spazio. Vaughn a volte inizia a tagliare come Fontana, ma fa un ulteriore passo avanti con lo strappo, la modellatura e le installazioni irregolari.

Vaughn è anche legato al gruppo Gutai (具体 美術 協会) di artisti giapponesi del dopoguerra il cui lavoro sperimentale è profondamente legato alla libertà e alla liberazione. Questo gruppo degli anni '50 si è concentrato sulla sperimentazione, sulla performance e sulla liberazione del colore mentre Vaughn ha trovato una strada leggermente diversa concentrandosi sulla liberazione della tela da se stessa.

Infine, l'opera di Vaughn ricorda lontanamente un altro dei più grandi artisti e contestatori sociali: Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Caravaggio amava spingere al limite le sue tele, anche se ai suoi tempi spingerle oltre la norma significava spesso raffigurare un realismo intenso e crudo; un ottimo esempio viene in mente nella sua Morte della Vergine ora al Louvre. Veronese e Caravaggio, tra tutti gli artisti che hanno impiegato la tela per scelta, sarebbero affascinati nel vedere come Vaughn usa e libera la stessa materia così come gli italiani pre-moderni che l'hanno usata potrebbero essere affascinati nell'apprendere che la tela rimane popolare tra gli artisti oltre oceano del 21° secolo.

Vaughn ha avuto molta esperienza in cose diverse benché abbia solo 25 anni. Ha lavorato in negozi di abbigliamento e presso un bar, ha studiato all'estero a Vienna e sta valutando se fare un MFA al Royal College di Londra. Suona la tromba ed è un gestore d'arte professionista. Gli piace andare in giro nei quartieri di St. Louis sul suo longboard. Fa parte di una galleria che segue il "modello di Filadelfia" chiamata Monaco su Cherokee Street. In futuro, continuerà un processo di decostruzione legata all'uso della tela e / o della pittura? Continuerà a decostruire l'arte prima di ricostruirla? Continuerà a creare pezzi che attraversano i generi e che rimarranno contemporaneamente dipinti e sculture? Ha davanti a sé un'entusiasmante strada da percorrere.

​Born and raised in St. Louis, Vaughn Davis Jr. (b. 1995) grew up with art in his family: his grandmother makes things and decorates in eclectic ways and his father has always been great at drawing. Vaughn began along these same family lines and then worked toward a formal art degree: he received his BFA in Sculpture (with honors) from Webster University.

Vaughn begins his work like most painters.  He mixes colors and paints on canvas, and he often uses traditional tints that would have appealed to Old Masters: reds, blues, yellows, greens, etc.  But unlike many of the great old-schoolers, Vaughn likes to paint the canvases when they are wet so that the pigments bleed and expand into one another.  He also likes to paint both sides of his canvas.  Continuing work against the centuries-old European tradition fixed in guild rules and regulations, Vaughn continues his deconstruction process in numerous fashions.  He uses canvas free from frames so his work does not reference fixed squares "trapped" in frames (like most art employing the use of canvas).  He distresses the loose painted canvas itself with the help of knives, scissors, blades and his own two hands.  He cuts, tears, rips, smushes and warps his canvases yet without ever removing any element of the canvas; so if his canvases were flattened out, they would be intact and whole.  He explains that his art is a reaction to the past, a reaction to the Classics; it is an art of protest.   

Vaughn makes these painted and ripped canvases turn into 3D sculptures that detest restraint.  He explains that he rips and tears in order to "open up" the canvas, to release flatness and to free them.  They really do appear free.  He explains that the deconstruction process signifies the search and the opening up of the self.  Along these lines, I watched him tear some of his work that had already been hung in the gallery; he said that even the sound of the canvas ripping is therapeutic.  The final products appear to be paintings and sculptures “in one.”  Furthermore, his works are in movement in the sense that they are able to evolve.  Each time they are moved, the pieces takes on new forms, curves and shapes depending on how they are hung—and because they become so different each time they are displayed, Vaughn has even given them different titles as they transform themselves in different locations.  He calls it freestyle work.

​It is fascinating to think that canvas has been used by artists for about 500 years now.  Canvas was popularised by Venetian painters in the Cinquecento (like Paolo Veronese (1528-1588) in his controversial and enormous painting, Feast in the House of Levi), and the use of it spread across Europe and through the art world.  In Venice, canvas—made from weaving strands of the strong and resistant canapa plant—was grown on the terraferma, woven locally, and readily available to sailors for their ship sails but later adopted by practical painters for large-scale compositions.  Canvas weighs a lot less than wood panel, it does not warp like wood in the intense local humidity, it is easier to move around than panel since it can be rolled up, it costs less than panel, and it does not fall off of walls like wet plaster or frescoes does in homes built in water around a lagoon.  It is fascinating to see Vaughn, a 21st c. artist from St. Louis, take up this same historical material in his work. 

​Veronese’s canvas, commissioned to represent the Last Supper, got him in trouble with the Inquisition because of so many real-life details added to it: gluttons, drunkards, wealthy patricians, German Protestant soldiers, sleeping cats and dogs, dwarves, servants, a man with a bloody nose, and other elements potentially present at an aristocratic dinner party—things thoroughly extraneous to a more traditional depiction of the Last Supper.  Veronese’s canvas is therefore tied to real life and to a rebellious artistic nature.  In different fashions, Vaughn’s canvas is tied to those two same concepts.  

Vaughn’s work is also related to that of Sam Gilliam (b. 1933) who has painted enormous colourful canvases and hung them in liberating ways.  Gilliam’s canvases stand as sculptures yet they are often more regularly patterned and formed when compared to Vaughn’s pieces. 

​Vaughn’s work also recalls the famous slit-up canvases of Lucio Fontana (1899-1968) who was born in Argentina but returned to Italia where he helped deconstruct the centuries-old traditions behind Italian painting.  Fontana sought to escape the “prison” of the flat picture surface to explore movement, time, and space.  Vaughn sometimes begins to cut like Fontana yet goes a step further with irregular ripping, shaping and installing.

Vaughn is also related to the Gutai group (具体美術協会) of post-war Japanese artists whose experimental work is deeply tied to freedom and liberation.  This 1950s group focused on experimentation, on performance, and on liberating color—while Vaughn has found a slightly different path as he focuses on liberating the canvas from itself.  

Lastly, Vaughn’s work distantly recalls another of Italy’s greatest artists and social protestors: Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Caravaggio loved pushing his canvases to the limit—although in his time pushing them beyond the acceptable norm often meant depicting intense and crude realism; a great example comes to mind in his Death of the Virgin now in the Louvre.   Veronese and Caravaggio—among all artists who have employed canvas as their medium of choice—would be fascinated to see how Vaughn uses and liberates canvas—and the early modern Italians who used it might also be fascinated to learn that canvas remains popular with artists into the 21st century.      

Vaughn has had a lot of experience doing different things—although he is a mere 25 years old. He has worked in clothing stores and at a coffee house, he studied abroad in Vienna and is considering an MFA at the Royal College of London.  He plays the trumpet and is a professional art handler.   He likes to go cruising around St. Louis neighbourhoods on his longboard.  He is part of a “Philadelphia model” gallery called Monaco on Cherokee Street.  Into the future, will he continue a deconstruction process related to the use of canvas and/or painting?  Will he continue to deconstruct art before perhaps re-constructing it from scratch?  Will he continue to create pieces that cross genres and remain simultaneously paintings and sculptures?  He has an exciting open road ahead.